Douglas Bentham

Je me donne des missions dans la vie, je suis à la conquête de la beauté, c’est là que je veux provoquer. Je me fie à cet ancien adage qui dit que « La beauté est un langage dont on a pas la clé. » Cela permet de créer des objets, surtout des objets abstraits qui feront dire à celui qui les regarde « Je ne reconnais pas ce que je vois mais je ressens une certaine émotion ». La beauté génère ce genre de choses. Ça semble évident dans le cas d’un magnifique coucher de soleil, de quelque chose de très beau ou d’une jolie fleur. Mais la nature a aussi un côté plutôt vulgaire qui nous pousse à réfléchir, entre autres, à notre propre existence. Je traite donc de la beauté, de la mort, de la vulnérabilité et évidemment de la spiritualité au sens très large du terme pour créer des œuvres qui élèvent les sentiments,qui transforment les matériaux en objets animés ou spirituels.

L’acier en lui-même a cette qualité particulière: il absorbe la lumière, et c’est o.k. Il en résulte un objet de nature calme et en quelque sorte comtemplative. J’ai découvert le laiton et le bronze il y a à peu près vingt ans, et quand on les découpe ou qu’on les polit, ils émettent une certaine luminosité, ce qui donne une sculpture qui vous renvoie de la lumière. Tandis que l’acier inoxydable, avec lequel j’ai beaucoup travaillé ces deux dernières années,  absorbe la lumière environnante et a différentes qualités selon l’heure de la journée ou les saisons. Chaque matériau possède des qualités particulières qui m’inspirent pour créer une forme particulière ou un certain moule qui va me servir dans la création d’une œuvre à l’intérieur d’une série donnée.

Le fait de faire du collage peut sembler à priori très simplistique mais le spectateur doit comprendre que contrairement au modelage ou à la sculpture, la sculpture constructiviste, ou le collage comme on dit, consiste à mettre des choses en relation; il faut qu’elles soient connectées les unes aux autres; c’est une forme de dessin. On dit que le dessin naît de la relation entre la main, l’esprit et le cœur. Il doit y avoir une fusion entre ces éléments pour que cela passe de l’intérieur à la main. Au départ, il doit y avoir une petite étincelle, un arrangement quelconque qui se trouve par terre ou un élément dans le tas de ferraille qui vous indique une piste à suivre, que ces deux éléments peuvent aller ensemble auquel un troisième peut répondre. Et là sans vous en rendre compte, vous avez créé une sorte de conversation entre les formes. À ce point-ci, je recherche ce que j’appelle le passage, c’est le chemin qui vous conduit au cœur du travail, qui vous permet de savoir ce que vous voulez faire, de créer quelque chose de nouveau. C’est comme ça que je vois les choses... quand les gens me posent cette bonne vieille question « Qu’est-ce que ça représente? », ça donne l’impression qu’ils cherchent à reconnaître quelque chose parce que c’est abstrait, mais aussi concret et ça fait partie de leur espace physique. Je leur réponds que c’est une sculpture, qu’elle vient de naître. Et pour en revenir à l’idée d’assembler les premiers éléments, on veut qu’il en sorte quelque chose d’interne, qui devienne le cœur ou l’élan de l’œuvre et on continue ensuite sur sa lancée.

J’encourage particulièrement les artistes à reconnaître que notre travail ici se déroule dans l’isolement, qu’il y a un danger à avoir l’esprit de clocher, et que l’on ne doit pas se satisfaire d’être des gros poissons dans un petit bassin, que c’est le plus grand bassin qui compte. Grâce à des endroits comme Emma Lake et d’autres ateliers il existe une communauté et des conversions ou des dialogues auxquels des artistes comme moi veulent participer. Alors il faut faire cet effort, même si cela consiste simplement exposer ses œuvres de l’autre côté d’un océan, pour démontrer qu’on fait partie d’une grande famille d’artistes du monde entier qui se soucie de qualité et la capacité des objets inanimés de toucher les gens et de les faire réagir. Ça vaut vraiment la peine.

Skywalker représente une percée parce que ce sont des oeuvres très personnelles.  Je voulais qu’elles soient à l’échelle humaine, qu’elles soient à peine plus hautes qu’une personne. Le thème introduisait la notion d’étirement, d’aller au-delà, comme une sorte de dépassement infini, presque éternel qui, même s’il devait prendre fin, donnait ce sentiment qu’on pouvait continuer, que cette expansion ne s’arrêterait jamais. Les autochtones utilisent le terme de skywalker, celui qui marche dans le ciel, ce qui correspond à ce que j’ai voulu faire avec cette série. Je voulais créer une espèce d’aura spirituelle qui s’en dégagerait. En regardant les œuvres, on pourrait y voir une certaine alterité, quelque chose qu’on ne pourrait pas appréhender tel quel. C’est devenu très clairement la métaphore d’un enjeu ou d’un monde, si on peut dire, beaucoup plus vaste.