Greg Hardy

Quand j’étais jeune, je vivais aux abords de la prairie, ce qui a été essentiel dans mon cheminement en tant qu’artiste. D’un côté, je pouvais explorer librement le monde de la prairie et de l’autre celui du centre-ville de Saskatoon. J’habitais une banlieue de Saskatoon en bordure de la prairie. J’ai donc eu la chance de découvrir ces deux mondes.

Pourtant, à l’école secondaire, je n’avais qu’une idée en tête, quitter Saskatoon et les Prairies. Je voulais voyager, alors j’ai commencé à faire des travaux manuels et j’ai gagné assez d’argent et je me suis envolé pour l’Europe pendant six mois. J’aimais tellement voyager que je pensais y consacrer ma vie. Dès que je suis revenu à Saskatoon, je me suis demandé quel genre de travail me permettrait de gagner assez d’argent pour voyager. La première chose qui m’est venu en tête, c’était de devenir photographe pour le National Geographic. Alors j’ai fait une demande à Ryerson pour un nouveau programme intitulé Études médiatiques. Et j’ai vraiment eu de la chance car j’ai été accepté dans le programme. À cette époque, je ne réalisais pas encore combien ce programme était intéressant et novateur.

J’ai toujours aimé dessiner et quand je me retrouve dans la nature, le dessin me permet de me rapprocher des divers éléments qui s’y trouvent. J’ai remarqué que lorsque je veux rendre un paysage à l’aide d’une photo, que je laisse la machine capturer les détails et que plus tard, je me réfère à cette photo, elle ne me donne pas suffisamment d’indications essentielles sur les racines de mon inspiration. Tandis qu’avec le dessin, c’est presque comme si je touchais le paysage même si ce n’est que de façon intuitive... je note des détails qui me fournissent l’information dont j’ai besoin. Ce n’est pas comme si je devais tout prendre en note au sujet de la qualité de la lumière ou tous les autres détails. Je ne fais qu’effleurer une matière et j’espère que mon cerveau va l’enregistrer comme un souvenir et que je vais pouvoir l’utiliser plus tard quand je rentre au studio pour le coucher sur la toile à une plus grande échelle. Je trouve que j’ai tendance à travailler à partir du même endroit ou plutôt un certain nombre d’endroits. Et je pense que c’est quelque chose de tout à fait naturel chez les artistes. Ils vont trouver leur niche, un endroit qui leur est familier ou qu’ils privilégient et ils le redéfinissent à chacune de leurs visites. On ne s’en lasse pas car on le renouvelle à chaque fois. À mesure qu’un artiste acquière de la maturité, il essaie de se dépasser, de toujours vouloir atteindre un niveau supérieur. On tente de sonder l’étendue d’un sentiment ou d’une expression qui dépasse la simple représentation d’une image ou de la qualité de la lumière ce jour-là. On cherche à approfondir la matière.

Pendant que j’étais à Ryerson, un de mes instructeurs m’a donné de la peinture et une toile et m’a dit : « Vas-y, lance-toi ». Alors que j’étais en train de peindre, j’ai eu comme une révélation... j’étais passionné par la photo mais je sentais que la peinture allait prendre une place encore plus significative dans ma vie. Je réalisais ça après avoir passé deux ans et demi, c’est-à-dire des tas d’heures, dans une chambre noire. Cela avait aussi à voir avec le fait de passer 10 à 12 heures enfermé dans une chambre noire. Même si c’était une sacrée expérience, ça commençait à me déprimer de me retrouver dans cette pièce avec tous ces produits chimiques. En fin de compte, c’était toujours la même chose... on sortait pour photographier ce qui nous intéressait puis il fallait passer à travers le long processus du développement des pellicules et on ne savait pas tout de suite à quoi ressemblerait le résultat final. Je commençais à en avoir ras le bol... peut-être parce que je passais trop de temps dans la chambre noire. Alors quand j’ai eu cette expérience avec la peinture, c’était comme une bouffée d’air frais et je me suis dis que j’allais devenir peintre. À ce moment-là, j’étais sur le point de finir mon programme. J’avais un projet pour un de mes cours qui était d’aller interviewer des artistes de la Saskatchewan. Et je suis revenu en Saskatchewan pour rencontrer Ernie Lindner, Joe Fafard, Russ Yuristy, Bill Perehudoff, Doug Bentham, Dorothy Knowles et Bob Christie; pendant ces entrevues ils m’ont dit : « Si tu veux devenir peintre, il faut que tu te mettes à peindre ».

Ce que je fais, c’est que je me promène dans les musées d’art et je regarde les œuvres. Si j’en trouve une qui me touche particulièrement, alors je vais passer plus de temps à la contempler. Je le fais intentionnellement, même si je sais qu’on en apprend davantage en lisant les vignettes et l’information fournie. Mais j’ai tendance à ne pas le faire. Ce qui m’intéresse, c’est la relation visuelle que je peux avoir avec un objet. D’un autre côté, c’est aussi important de connaître les personnes, le contexte historique, etc. mais je trouve que si on essaie de digérer tous ces renseignements, on finit par ne penser qu’au contexte dans lequel l’œuvre a été peinte et  on passer à côté de la force du tableau lui-même..

Quand on entre dans un musée, disons par exemple le musée du Prado, et qu’on découvre des œuvres qu’on a vues jusqu’ici qu’en photo dans des revues ou des livres d’art et sur lesquelles on s’est fait une idée, on en retire une sensation et une émotion complètement différentes. C’est le fait de les voir en chair et en os. Le Prado est un musée extraordinaire parce qu’il est situé dans un environnement naturel. Il ya une lumière naturelle, abondante qui arrive par en haut. On entre dans une salle, une salle immense et on a deux Goyas (des toiles gigantesques) qui se font face. Là on se plante devant une des peintures et on est tellement ému qu’on en pleure. On se tourne pour regarder l’autre et on ressent la même émotion. On passe ensuite à une autre salle où il y en a six autres comme ça.

La peinture intitulée Smoke from the Mine m’a été inspirée par une mine qu’on n aperçoit au loin quand on est sur l’autoroute 6. C’est la route que j’emprunte  régulièrement  pour aller de Saskatoon à mon atelier à la campagne. Et des fois, je la prends tous les jours. Et ce jour-là, il faisait très froid, un jour typique en Saskatchewan quoi, et j’ai trouvé que la fumée qui s’élevait dans le ciel au loin avait quelque chose de très poétique. Je ne sais plus dans quel sens je me dirigeais, vers la ville ou vers mon studio mais je me souviens avoir dessiné la scène d’après le souvenir que j’en avais. Et je l’ai transposée sur une plus grande toile. Le moment où j’ai capturé l’instant, où j’y ai réagi en le dessinant puis le peignant ont été mes sources d’inspiration. Quand j’ai vu la fumée s’échapper de la mine, j’ai trouvé cela magnifique du point vue esthétique et aussi très poétique. Je n’avais pas l’intention de faire un commentaire au sujet de ce nuage de fumée qui sortait de la mine ou encore sur la mine elle-même. D’une certaine façon, la mine fabrique des produits qui servent à nourrir un plus grand nombre de personnes dans le monde. Alors il faut toujours prendre en compte les deux côtés de la médaille. Et tant pis si on me critique parce que j’essaie de faire ressortir la beauté du monde.