Jeff Nachtigall

Ces extraits de Conversations avec moi-même ont été tirés de...lorsque je suis dans le studio, je suis dans un endroit très solitaire. J’y suis seul avec mes pensées. Et en peignant, j’ai toujours ces…Je ne sais s’il s’agit d’une bonne ou d’une mauvaise habitude, ou d’une excentricité, mais j’ai toujours l’impression que j’observe depuis le point de vue de la troisième personne. Et alors, j’ai ces discussions à haute voix comme si Oprah m’interviewait ou quelque chose du genre, seulement pour pouvoir avoir cette conversation et comprendre le processus dans lequel je suis si profondément engagé, car lorsque je fais de l’art, je suis dans la zone. C’est cet espace où…je suis dans l’espace de cette tête d’où je ne puis sortir. Ce n’est pas quelque chose qui…avec la pratique, on peut s’arrêter et reprendre; c’est beaucoup comme de la méditation. On entre dans cet espace où les choses arrivent, où il y a un lien avec tout ce qui se promène dans les coins malpropres de ma matière grise. Et qui peut sortir. Alors pour cet ensemble d’oeuvres, ce qui m’importait, c’était d’être capable de créer quelque chose de vaste. Je voulais que ce soit gros; je voulais que ce soit à une échelle épique. C’était ma première exposition muséale à Regina, je venais d’arriver de Calgary, alors je voulais vraiment faire quelque chose de gros. Et tout bien compté, je crois que j’ai créé 75 pièces. Mais le plus gros panneau, je crois, était de cinq sur dix…non, non, pardon, de dix sur vingt…non, de cinq par dix. Donc chacune de deux pieds sur deux pieds. Et il me fallait laisser ces idées circuler.

(Scène : Nachtigall en train de peindre) Cette peinture est à peine entamée, car ce qui arrive ensuite, c’est que ceci (montrant du doigt la peinture blanche qu’il vient d’étendre sur la toile) doit sécher. Ensuite, je vais intégrer les couleurs foncées et agrandir tout cela. Alors présentement, il importe peu que je sois extrêmement satisfait de cette forme, car je ne suis pas satisfait de ce qui arrive ici, mais plutôt de ce qui arrive à l’extérieur. Alors ce qui doit arriver est qu’une autre forme doit s’y superposer pour me débarrasser de ceci. C’est une sorte de…imaginez-vous la scène d’un théâtre, où vous avez ces couches de choses qui arrivent l’une devant l’autre afin de créer une illusion de profondeur, parce que ce qui va finir par arriver, c’est qu’il va y avoir quelque chose de sombre par-dessus cela, et puis de nouveau quelque chose de clair, et cela se construit ainsi. Car il est important, pour une peinture, non seulement que le regard se promène de gauche à droite et de haut en bas, mais qu’il plonge dans le tableau. J’aime créer un sentiment de profondeur dans une peinture par le biais d’images plates, de telle manière que, bien qu’on travaille avec une sorte d’image quasi bande dessinée, en établissant des couches, on force l’oeil à pénétrer dans la toile puis à en ressortir, plutôt que de regarder autour, puis à gauche et à droite. Une peinture devient intéressante lorsqu’elle vous fait croire à l’avant-plan et à l’arrière-plan, à l’espace positif et à l’espace négatif. Alors dans un cas, il y a la figure qui occupe l’avant-plan, puis dans l’autre il y a l’arrière-plan, et on ne considère que les couleurs. Mais c’est la manière de déplacer le regard.

Je devais avoir sept ans lorsque La guerre des étoiles est sortie. Je suis allé voir ce film dans une petite ville d’Alberta (Barhead); c’était une expérience visuelle si incroyable pour moi que de retour à la maison, j’ai peint chaque scène pour ma mère. A ce moment, j’ai su à quel point cet outil était important, que l’art était une forme de communication visuelle et que la communication visuelle pouvait aider à narrer l’histoire. Je me suis inscrit à un programme d’art à l’Université de Regina, et c’était une sorte de relation amour-haine parce que c’était facile... et rapide. Je venais de quitter la marine [et] Regina était l’endroit où je m’étais installé et donc je me suis demandé ce que j’allais faire et le cours d’art était facile. Je n’avais même pas l’impression que je fréquentais une école d’art. J’aimais la biologie marine parce que j’aimais faire de la plongée autonome et la plongée en apnée, mais j’étais nul en sciences, alors j’ai dû abandonner l’aspect biologie. Et puis j’ai pensé à l’architecture parce que j’aime dessiner, mais je suis nul en math. En fait, je songeais au droit parce que du moins avec le droit, je suis un bon débatteur, mais là aussi, c’était aller trop longtemps à l’école. Alors je suis plus ou moins tombé dans les arts, dans cette riche histoire des arts à Regina. Je ne me suis jamais considéré comme un régionaliste. Ce n’est pas que j’ai quelque chose contre les régionalistes, ou les artistes qui préfèrent travailler de façon régionale, mais j’ai toujours pensé que...je ne voyais pas cette façon de représenter le monde comme universelle. Je n’ai pas à faire de travail. Je n’ai pas à monter en chaire .Mon père est un prédicateur—c’est son travail à lui. Je n’ai pas à prêcher, à dire : voici exactement ce que je suis, qui je suis, et à en faire le but de mon art. Je n’ai pas à peindre des silos.

Le but d’Extraits, ces 75 panneaux, me semblait pratique à plusieurs égards. Je les créais dans mon sous-sol; ainsi je ne peux peindre un grand tableau et l’en sortir, mais diviser ainsi mon oeuvre est [aussi] pratique pour les envois postaux, pour l’entreposage et le transport. Mais cela m’intéressait de voir comment le conservateur utiliserait ce que je lui donnais, comment il modifierait cette oeuvre. Parce que son équipe est en charge de l’installation. En fait, c’est pour qu’un conservateur gagne sa vie, parce que je ne sais pas vraiment ce que ces types font; du moins, c’est ce que je me disais. Comme j’ai maintenant préparé une exposition, je comprends désormais. Mais à ce moment-là, je voulais que le conservateur s’intéresse à mon oeuvre et comme qui dirait m’aide à construire ce récit non-linéaire que j’ai déjà produit et créé. Alors maintenant il s’agit de s’arranger pour que quelqu’un l’amène au prochain niveau et qu’il ou elle fasse la même chose. Change le récit de telle manière que j’arrive et sois surpris. L’exposition va être présentée dans tous ces lieux, sept lieux durant une certaine période, une exposition qui a beaucoup de succès…Je ne voulais pas voir toujours la même chose d’un endroit à l’autre, et donner la même causerie. De cette manière, d’autres pièces pouvaient ressortir. Donner au conservateur, à la conservatrice cette responsabilité créative était stimulant également parce que si l’exposition était un fiasco, je pouvais en blâmer le conservateur. Pas de ma faute; à cet autre endroit, l’exposition était magnifique!

J’adore avoir du texte dans mon oeuvre. C’est quelque chose qui s’est vraiment développé dans les cinq dernières années, et même de manière plus fulgurante ces dernières trois années. J’adore les poètes, la poésie, le langage, j’adore la manière dont les mots décollent du palais ou de notre langue le matin. C’est seulement que j’aime les mots. J’aime le sens que les mots prennent. Mais chose plus importante, j’aime le bagage que ces mots portent et j’aime l’idée qu’on puisse utiliser ce mot d’une manière visuelle et qu’il puisse apporter quelque chose à la peinture. Lorsque j’ajoute un mot, ou lorsque j’ajoute du texte à une oeuvre, il fonctionne de la même manière que fonctionnerait une image. Il se manifeste, en quelque sorte. Vous parlez d’un action painter (peintre gestuel), eh bien je crois que je suis un reaction painter. Utilisant la vieille méthodologie de Jasper Johns voulant que si je fais quelque chose, je fais quelque chose d’autre à cette chose, – c’est ainsi que je peins. Je ne songe pas à l’art, une phrase qui vient de Basquiat. Ne pas voler à tous ces types, mais, au fond, si on n’est pas un bon voleur, qu’est-ce qu’on est? De toute manière, dans ce cas, on ne devrait certes pas être dans les arts. On y subtilise des choses d’absolument partout. Parfois cela commence avec du texte, parfois cela commence avec ces mots qui résonnent dans ma tête, et parfois il y a cette relation intentionnelle entre le contenu, l’image et les mots qui y sont placés, mais parfois cette relation n’est pas intentionnelle. En juxtaposant la forme, la couleur, l’image, les espaces négatifs et positifs, on crée une relation. Et je m’intéresse à la nature de cette relation qui est créée.