Kent Monkman

Mes œuvres traitent vraiment l’histoire de l’art du 19e siècle et George Catlin était l’un des personnages les plus fascinants que j’y ai trouvés. D’abord parce que le nombre de ses œuvres est prodigieux : il a réalisé des centaines de portraits d’Autochtones. Mais l’homme était plein de contradictions et ce sont celles-ci, tant dans ses travaux que dans son caractère qui, pour moi, en font une personne absolument fascinante. D’une part, il se présentait comme le sauveur d’une race qu’il pensait être en voie de disparition, les Autochtones d’Amérique du nord, et il a véritablement consacré toute sa vie à créer ce qu’il croyait être un document sur cette race. Mais bien sûr, les peuples indigènes…nous sommes toujours là. Nous ne sommes pas une race en voie de disparition. Nous sommes passés par une étape d’innovation et d’influence, et nous nous sommes adaptés à la présence européenne ici, mais nous existons toujours. Pour ce qui est du film qui passe à l’intérieur du tipi, il s’agit vraiment d’étudier la dynamique de force entre l’artiste et le modèle. Et là encore, je m’intéressais à Catlin parce qu’il avait avec lui des artistes autochtones qui donnaient des représentations dans sa galerie. Je souhaitais donc vraiment retracer cette histoire de la culture du spectacle au 19e siècle et réfléchir à ces Autochtones qui donnaient des spectacles à un auditoire européen. Donc, l’ensemble des photos dans cette exposition intitulée Emergence of the Legend retrace en fait cette histoire imaginaire du point de vue de mon alter ego – j’ai créé un alter ego qui se nomme Miss Chief Eagle Testicle – et je l’ai imaginée comme étant l’une des interprètes dans la galerie de Catlin. Mais j’ai aussi retrouvé le récit d’un de ces interprètes de la galerie de Catlin qui avait rédigé ses observations sur les Européens. Donc, avec mon film et mon œuvre, je fais quelque chose de très similaire –en quelque sorte, je fais de l’Européen mon sujet.

Oh for a thousand tongues est une des peintures de la série Langue de prière dont chacun des tableaux a le titre d’un hymne différent. Les figures s’inspiraient de ces images de deux hommes en train de lutter. Je m’intéressais donc d’une part à l’érotisme dans la lutte des deux hommes, mais pour moi cela évoquait également le conflit. J’aime l’ambiguïté de cette image des deux hommes qui luttent – était-ce là l’idée de consentement et de conflit? Et j’ai ajouté l’écriture syllabique par-dessus ces images assez subtiles d’hommes qui luttent à l’aide de multiples couches de peinture transparentes et ainsi de suite. Et l’idée là, c’était que cette idéologie, cet hymne chrétien, c’était quelque chose qui submergeait cette sexualité sous toutes ces couches. Pour ce qui est de la palette, je m’intéressais vraiment aux couleurs et aux textures, et à la translucidité de la peinture qui rendait la qualité de la peau. Il s’agissait donc vraiment de choisir des couleurs qui, d’une certaine façon, parlaient de race, de conflit racial, du croisement des races, du croisement des cultures. Et encore une fois, avec la peau, venait cette idée de sensualité et d’idéologie…ce croisement entre la sensualité de la peau et des corps et cette puissante idéologie chrétienne. Les Autochtones ont été en partie colonisé par le biais des pensionnats indiens. Or, il y avait des abus sexuels dans ce système, donc même si je parlais de la répression de l’homosexualité, je voulais aussi faire allusion à ces autres événements qui résultent du processus de colonisation.

Je pense qu’enfant je savais déjà que j’allais être artiste parce que j’y étais encouragé par ma famille, mes parents. J’étais le troisième fils d’une famille de quatre enfants et, parfois, les enfants qui se trouvent au milieu passent un peu inaperçus. Mais j’ai découvert que c’était quelque chose qui me plaisait bien. Pour moi, c’était naturel et j’ai passé beaucoup de temps…nous n’avions pas beaucoup d’argent, pas beaucoup de jouets, donc c’était pour moi une forme de divertissement. Ma mère me donnait du papier, des crayons et des crayons de couleur, et d’une certaine façon, je m’amusais comme ça. J’ai donc été encouragé très tôt et j’ai vraiment acquis cette forte identité d’artiste très jeune. Mes expériences d’enfance et d’adolescence ont eu un énorme impact sur la façon dont je me suis développé comme artiste car mon identité en tant qu’Autochtone ayant grandi à Winnipeg a été quelque chose de très formatif et mon oeuvre s’en est trouvé influencée. Je pense que j’ai toujours été motivé par certains des problèmes auxquels nous faisions face en tant que famille autochtone à Winnipeg, auxquels les générations précédentes avaient fait face lorsqu’elles avaient été dépossédées de leurs terres, et à ce point, leur philosophie envers la vie a vraiment formé la personne que je suis aujourd’hui. Je pense que de bien des façons, mes travaux viennent du fait que je puise dans ces expériences et que j’étudie l’Histoire pour vraiment comprendre comment, pas simplement ma famille, mais les Autochtones en général, ont été traités au cours de ce processus de colonisation.

Pour cette série, l’inspiration m’est venue du besoin de faire face à mon identité, à mes propres racines et à toute la façon dont le christianisme a affecté les peuples autochtones. Mon arrière-grand-mère est née dans une communauté chrétienne, St. Peters, juste au nord de Winnipeg, créée essentiellement par l’Église anglicane pour transformer les Cris et les Saulteaux en agriculteurs. Je m’intéressais donc beaucoup à cela et aussi à la façon…l’histoire de l’écriture syllabique crie. J’ai entamé une recherche à ce sujet et j’ai découvert que c’était un signifiant complexe du processus de colonisation dans la mesure où l’écriture syllabique à laquelle j’avais accès se trouvait dans un livre d’hymnes cris. J’ai donc appris au cours de ma recherche qu’elle avait été développée par un missionnaire anglican dans l’intention délibérée de christianiser les Autochtones. En même temps, je voulais étudier la façon dont la sexualité autochtone avait été affectée par la colonisation et l’énorme influence qu’avait exercée l’Église sur nos communautés. En effet, comment expliquer que les gens de nos communautés sont si homophobes alors que nous avons des personnages comme les berdaches, les personnes à deux esprits, l’homme-femme qu’on célébrait dans nos cultures avant l’arrivée des Européens? Je voulais donc vraiment étudier le processus de colonisation en voyant comment les Autochtones ont été affectés par le christianisme et la façon dont leur sexualité a été influencée par ce processus de colonisation.

En ce moment, je suis en train d’installer une exposition solo de mes œuvres à la MacKenzie Art Gallery, et il y a trois pièces dans cette exposition. La plus grande s’intitule Théâtre de Cristal et il s’agit d’un tipi perlé ou fait de ficelles. C’est une installation vidéo dont le but est d’évoquer un tipi. Elle fonctionne essentiellement comme un théâtre et donc, à l’intérieur du tipi, est projeté l’un de mes films, Group of Seven Inches. Le Canada a été colonisé par les Français et les Anglais et lorsque j’ai étudié l’histoire de l’art, j’ai découvert qu’il y avait une influence française importante dans les titres, les noms de lieux, mais la colonisation était le fait à la fois le fait des Français et des Anglais. Toutefois, avec cette pièce je fais aussi référence à la exposition itinérante de George Catlin. George Catlin était un peintre du 19e siècle dont l’exposition a fait le tour de l’Europe : il l’a même présentée à Paris. Comme je fais référence à cette exposition itinérante d’art autochtone de Catlin à travers l’Europe, en passant par Paris, cela explique pourquoi j’utilise le français dans le titre.