Marsha Delouchery

J’ai décidé de choisir quelque chose d’extrêmement difficile à peindre et ce sont les surfaces réfléchissantes, transparentes. J’ai donc trouvé à Value Village cette lampe qui était juste…c’était ma première, juste là. Et elle luit, vraiment elle luit. C’est impossible à peindre, et je me suis dit, non, c’est possible. Je l’ai donc peinte. Je l’ai peinte, plusieurs fois, cette lampe-là. Je l’adore! J’en ai donc acheté une autre, et puis une autre, et encore une autre, et elles ont commencé à s’accumuler. Et il fallait bien que je leur donne un nom – d’où Lampscapes. Mais arrivée à cette époque-là, je profitais des possibilités de retraite qu’on peut faire l’été et il y en a une que j’adore à Emma Lake. Alors, je traînais mes peintures et mes lampes jusqu’au cours d’été à Emma Lake et je m’installais et peignais mes lampes. Pas de pression…disent-ils…Le nom du cours c’est «Peindre le paysage de la Saskatchewan ». Je ne peins pas des paysages mais ils me laissent assister au cours et c’est là que j’ai commencé les ‘lampscapes’. Et cela fait trois ou quatre ans maintenant que je fais ces lampes. Les lampes ont beaucoup de personnalité. En tant que lampe, c’est une lampe bon marché assez laide, une reproduction d’autre chose d’une autre époque. Mais, dans mon tableau, j’en fais un bijou précieux, et puis, elles sont assez grandes, alors elles prennent une autre forme de vie dans le tableau.

Mon art est influencé par toutes les diverses époques de l’art. Comme je suis une personne instruite, j’ai étudié l’histoire de l’art et j’en connais les différentes époques; je sais ce qu’elles m’ont montré et appris. Mais en fait, en même temps, elles m’ont libérée. Je pouvais choisir toute image qui me convenait, traiter de n’importe quel sujet. Je ne sais pas comment on pourrait me placer dans une catégorie parce que je saute sans arrêt de l’une à l’autre. Je pense donc que je serais simplement « tournant du siècle » – ça n’a pas encore de nom. Mais je parle d’ «expressionnisme domestique » parce que je devais…je ne correspondais à rien. J’ai cette image de mon mari en train de changer les contre-fenêtres de la maison, mais la maison était d’une couleur rose incroyable parce que le soleil se couchait. Et l’ombre de l’échelle…tout était si beau. Je peins cette image d’une personne en train de changer une contre-fenêtre…qu’est-ce que c’est? Eh bien, c’est mon monde à moi. C’est ce que je vois quand je regarde par la fenêtre. C’est autour de moi et c’est un sujet qui m’influence dans ma vie. Et j’ai donc nommé cette pièce « expressionnisme domestique».

J’étais simplement…je ne pouvais pas me sortir de la tête l’image de Wallace Stegner respirant cette odeur incroyable, sans savoir de quoi il s’agissait. Et puis soudain, il a dû avoir une révélation comme il l’écrit lui-même. Il a soudain reconnu l’odeur. Mais cela l’a brusquement ramené dans son enfance et les odeurs provoquent souvent ce genre de choses. Elles vous ramènent dans un endroit que vous aviez oublié. C’est en tout cas ce qui lui est arrivé. Il a intitulé son livre Wolf Willow à cause de ce moment sur la rive de la rivière Frenchman. Donc, si vous êtes jamais allé à Eastend, vous connaissez la magie et la nature mystérieuse de l’endroit. Et je ne peux pas me débarrasser de cette image de cet homme debout au bord de la rivière et qui soudain reconnaît l’odeur. J’ai adoré cette idée, tout simplement adoré! Maintenant, je dois trouver un moyen de rendre cette image. Je ne sais pas à quoi ressemble Wallace Stegner, enfin, si, parce que j’ai fait une recherche sur Internet, mais que portait-il ce jour-là? Conduisait-il une voiture? Est-il allé là à pied? Où était-il le long de la rivière lorsque ça s’est produit? C’est à moi d’inventer tout ça. C’est de la fiction historique. Mais ce qui m’a inspiré, c’est de savoir que cela s’était vraiment produit. C’est fascinant. Je dois décider si je veux que ces tableaux aient l’air d’être ceux d’un peintre primitif. L’innocence qu’apporte ce regard primitif, non formé, est merveilleuse et j’adore ça. Est-ce que ça va être une image abstraite? Ou bien est-ce que ça va être du photoréalisme ? Ou bien est-ce que ce sera entre les deux? S’agira-t-il d’une aquarelle ou d’un acrylique? Pour raconter cette histoire, qu’est-ce qui va le mieux marcher?

Je me souviens qu’on a demandé aux artistes de soumettre une proposition d’une image qu’ils aimeraient produire pour marquer le 75e anniversaire de la Saskatchewan. Je pensais, simplement…je demeurais à l’époque dans une petite ville qui s’appelait Ralph. Nous avions loué une vieille maison de ferme. Je travaillais à Weyburn qui se trouve à 10 miles et j’ai réfléchi; j’avais fini tous mes travaux de peinture sur les élévateurs à grains. Mais il n’y avait pas d’élévateurs à grains à Ralph; ils avaient disparu depuis longtemps. Je me préoccupais donc des villes qui disparaissaient. Comme j’aimais les cartes, j’ai proposé de réaliser une sorte de vue aérienne de cette terre. Et je ne me souviens même pas comment j’ai exprimé ça, mais ce qui est sûr, c’est que j’ai soumis ma proposition au Saskatchewan Arts Board, et que j’ai été choisie comme l’une des artistes pour produire l’ensemble, et voilà. Et puis j’ai développé l’image. J’ai étudié des cartes de la région. Je savais où passait le train, je connaissais les endroits élevés et les endroits plus bas autour de Ralph, et je savais que la route 39 coupait à travers cette région. C’est comme ça que j’ai développé l’image. Et puis j’avais un atelier de sérigraphie que j’avais créé moi-même dans le studio où j’enseignais, car à Weyburn ils avaient un endroit dont ils se servaient pour les cours d’art. J’avais donc un endroit pour le faire : j’avais certainement fait pas mal de sérigraphie…je l’ai donc faite moi-même. Ce ne sont pas tous les artistes qui font leurs propres gravures. Parfois, si vous en avez les moyens, vous pouvez engager quelqu’un pour faire la gravure pour vous, mais j’étais capable de la faire et je savais que je pouvais la faire à Weyburn même.

Eh bien, pendant que j’étais au Nova Scotia College of Art, j’ai essayé toutes sortes de choses mais éventuellement j’ai été attirée par la peinture et c’est ainsi que j’ai vraiment passé ma dernière année. Le style de peinture était hard-edge, (formes calculées, simples et froides), très minimaliste et manquait de couleur. Des nuances de gris, voilà ce que je peignais. Ces tableaux représentaient l’architecture… des bâtiments, des grilles presque…d’immeubles avec des escaliers de secours, tous réalisés avec du ruban masque et dans un style ‘hard-edge’. Et une fois arrivée en Saskatchewan avec ce bagage, j’ai abordé le sujet de l’élévateur à grains avec le même style. Je peignais donc de grandes, grandes toiles de grands édifices gris qui étaient les élévateurs à grains. C’était certes une perspective différente d’un élévateur à grains tel qu’on l’avait traditionnellement représenté ici. Quand j’y repense, je pense que j’avais véritablement peur de la couleur. Je pensais que la couleur cachait la vérité ou mentait, ou…j’avais cette idée que la couleur était une espèce de tromperie et je voulais être une puriste. Je ne voulais donc que structure et composition, et forme, et je devais éliminer tout ce qui pouvait se mettre en travers. Je me suis donc débarrassée de la couleur et j’ai produit ces grandes toiles qui, comme je l’ai dit, étaient en nuances de gris. Bien sûr, le gris est plein de bleus et de rouges et le gris est n’importe quelle couleur sauf le gris, ou comme le noir et le blanc peuvent être n’importe quelle couleur. Mais, à l’époque, j’étais satisfaite d’avoir réduit l’objectif de la peinture aux formes physiques les plus importantes qu’elle doit avoir. Je m‘étais donc convaincue de ne pas me servir de couleur, parce qu’avec du recul, je pense que la couleur me terrifiait vraiment.