Otto Rogers

J’ai soixante-douze ans et j’ai commencé quand j’avais dix-sept ans, ce qui fait que je peins depuis plus de cinquante ans. J’aurais cru être mort d’ennui après toutes ces années mais parce que c’est un processus créatif et parce qu’il vous met en harmonie avec votre âme – en passant, je crois que l’âme et l’esprit ne sont pas distincts l’un de l’autre, l’esprit et l’âme sont une seule et même chose – vous êtes de plus en plus conscientisé. Alors, j’essaie toujours de faire des choses qui élèvent mon niveau de conscience et qui mènent vers plus d’excellence. Je veux que les gens regardent mes peintures et disent : Vous savez, quand je regarde votre peinture, cela m’affecte. Je pense que je peux faire cela… parce qu’il y tellement d’art qui recherche purement le sensationnel ou le côté nouveauté, mais il n’atteint pas les gens au tréfonds de leur être. C’est ce que je recherche. De façon idéale, évidemment, ça n’est pas ce que je suis, mais idéalement pour être un bon artiste, il faut presque être un saint. Ma définition d’un saint, c’est quelqu’un dont les qualités spirituelles dominent les qualités matérielles. Il est impossible de ne pas être matériel parce que nous sommes des êtres faits de matière, on ne peut effacer cela, pas dans cette vie. Mais si vous observez ces principes et cette quête de la vérité et de l’excellence et que vous travaillez fort – toutes ces valeurs traditionnelles – je pense que vos qualités spirituelles commencent graduellement à dominer vos qualités matérielles. Être artiste est quelque chose de noble et l’artiste a ce droit de ne pas être quelque chose d’amusant mais de contribuer à l’exaltation de l’âme. L’art devrait exalter et non pas déprimer.

Je voulais vous parler de cette composition-ci. C’est peut-être un peu difficile de la comprendre immédiatement. Cela peut dépendre du nombre de peintures que vous avez vues et de ce que vous comprenez du langage des arts parce que l’art, après tout, est un langage et c’est comme si vous entriez en contact avec un tout nouveau langage sans en connaître le vocabulaire. Alors, au début c’est un peu étrange particulièrement dans le monde occidental où nous nous intéressons davantage au langage écrit. Nous ne sommes pas vraiment habitués aux objets visuels, ce qui fait que nous ne savons pas comment les lire même si on ne lit pas véritablement une peinture. De toutes façons, je voulais vous parler de celle-ci parce qu’elle part d’une situation familière pour la plupart des gens : un paysage. Parce qu’il y a une ligne d’horizon ici ou ce qu’on pourrait imaginer être une ligne d’horizon. Si vous vous dites que c’est une ligne d’horizon, alors ceci devient le sol, ou un champ, c’est peut-être un champ labouré et ceci devient le ciel et je suppose que cela pourrait devenir une montagne ou une colline sur laquelle le soleil brille d’une certaine façon et peut-être que ça, c’est un bosquet… Je ne sais pas ce que ceci pourrait être… peut-être que c’est le soleil ou une étoile ou la lune. Ce pourrait être une sorte de symbole. Alors, c’est un début pour ce qu’il y a ici, mais ce n’est pas ce qui m’intéresse principalement. Il n’y a qu’une référence indirecte au paysage parce que je suis aussi intéressé à la structure et à la forme parce qu’en art, c’est la forme qui porte une grande partie du message, une grande partie du contenu.

Les humains ont dû inventer les systèmes de mesure. Les villes sont dessinées sur des cartes; les cartes géographiques adoptent toutes le système de quadrillage vertical/horizontal. Nous avons fait cela parce que l’univers est si vaste que nous ne pouvons le comprendre et cela nous fait peur. Afin de lui donner des limites, nous inventons des moyens de le mesurer, ou de le contenir, ou de le comprendre. Une façon de le contenir, c’était de faire ce rectangle à quatre côtés qui renferme un quadrillage. En peinture, on est toujours conscient du système de quadrillage – vertical/horizontal. Et bien sûr, quand on a une diagonale, on a un élément de dynamisme parce qu’aussitôt qu’il y a une diagonale, il y a plus de mouvement. Quand on a la verticale, il y a ici un sentiment vertical fort. Ceci y fait écho, cela y fait écho aussi. Mais c’est un sentiment vertical puissant et cette horizontale forte y contribue. On peut donc avoir une situation de repos ou une qualité statique.

On a donc le système de quadrillage, mais il y a un auteur, M. Arnheim, qui a dit que le système de quadrillage n’a jamais satisfait les humains parce qu’il n’est pas assez expressif. Il dit que si on regarde toutes les œuvres d’art, on s’apercevra qu’il y a une spirale surimposée sur le système de quadrillage parce que la spirale symbolise la quête de l’humain pour l’inconnu – on veut aller au-delà de la mesure vers le spirituel. Je me suis rendu compte il y a une couple d’années seulement qu’il y avait une spirale dans toutes mes peintures. Je ne m’en étais jamais aperçu avant, je ne l’avais pas planifiée. Si on regarde cette peinture, ceci pourrait être le centre et tous ces éléments en jaillissent en spirale – on a cette sorte de mouvement qui vient du centre. Mais en même temps, si on n’avait que ce mouvement, il déborderait de la peinture, ce ne serait pas circonscrit, et on n’aurait alors pas de paix. La spirale fonctionne donc en juxtaposition avec le système de quadrillage – ce truc vertical, horizontal – et nous ramène vers un état de repos.

Vous construisez une pièce architecturale. En fait, j’ai souvent dit que la peinture est une architecture comprimée parce que l’architecture comprend un volume et des espaces clos qui invitent la lumière à y pénétrer. Dans le cas de la peinture, c’est une surface plate mais qui a les mêmes particularités architectoniques, c’est ainsi qu’on appelle ça, les mêmes particularités qu’un bâtiment.  Dans une peinture on retrouve les mêmes particularités d’espace, de mesure, de proportion, d’échelle et de relations entre les parties. Par exemple, si vous faites le lien entre ce point-ci et celui-là, et celui-ci au bas, votre œil trace une diagonale forte. Et parce que votre regard se promène en diagonale, vous devenez soudainement conscient de cet espace et cela vous mène à un mouvement de rotation. Et puis, quand vous vous mettez à lire ces formes carrées, la rotation s’intensifie.

C’est pendant l’année où j’ai commencé à enseigner l’art que je suis devenu membre de la religion bahá’ie et ses enseignements spirituels et les principes universaux m’ont beaucoup inspiré. Ce n’est pas que la religion bahá’ie vous dit comment être artiste, mais j’ai été inspiré par des principes comme l’unité par la diversité. Et j’ai essayé de montrer à mes étudiants des œuvres de toutes sortes de cultures – un large éventail. J’ai essayé de leur faire voir comment leur propre travail reflétait d’une façon primitive reflétait certaines des qualités qui sont universelles. Cela les a vraiment inspirés de savoir qu’ils pouvaient prendre un pinceau et faire quelque chose qui rejoignait ces principes puissants. Cela et l’amour sincère que je portais à mes étudiants… Je les aimais vraiment, ils me manquent énormément depuis que j’ai arrêté d’enseigner il y a maintenant plus de vingt ans et ce contact avec les jeunes me manque beaucoup. D’une certaine façon, je préfère les jeunes à leurs aînés. Je ne devrais pas dire cela parce que je suis un aîné moi-même, mais j’aime leur enthousiasme et leur innocence et la pureté de leur esprit. J’espère qu’ils ont encore tout ça.

Une des choses que j’ai apprises il y bien des années c’est qu’il y a quatre choses qui nous aident à développer notre connaissance ou notre savoir. Je pense que l’art et la peinture sont des formes de connaissance. Bien des gens croient que ce ne sont que des décorations placées sur un mur mais en fait, les images peintes ou les sculptures… si on les regarde et qu’on y pense, elles peuvent nous éduquer comme un livre ne pourrait le faire, par exemple. Ce que j’ai appris, quelque chose de très important, c’est que les sens – vous savez, la vue et le toucher et le goût – c’est quelque chose de très important dans la façon dont mes peintures ont évolué. Les gens disent souvent que les prairies ont eu une influence sur mon travail. Elles en ont eu un, dans un certain sens, mais de façon plus importante les prairies m’ont enseigné à voir et à penser à l’espace et à être conscient de la texture. C’est une des voies importantes. La deuxième est de penser, parce que les gens aiment l’ordre, créer un  design, une structure qui satisfait et qui produit un sens d’unité. Cela a à voir avec l’esprit, la logique, le rationnel, c’est être rationnel par rapport à quelque chose, développer une forme qui est plaisante et très logique. C’est la deuxième chose qui m’a influencé. La troisième chose, c’est l’art fait par les autres, vous savez, l’art qui vient du passé. Il y a tellement d’artistes qui m’inspirent. Quand on travaille sur une œuvre, on pense à toutes ces autres peintures qu’on a vues. Et certaines des qualités des autres artistes qu’on a apprises ou absorbées par osmose se retrouvent dans nos œuvres. Maintenant, la quatrième chose, et c’est la toute dernière, la quatrième voie vers la connaissance, c’est l’inspiration. Curieusement, et c’est très intéressant, l’inspiration est ce qu’il y a de plus fiable. Nos yeux peuvent nous jouer des tours, la logique ou l’ordre peut aller trop loin et cela devient ennuyant parce que c’est trop travaillé. Si on ne fait que copier servilement les autres artistes, cela peut tuer l’esprit de son travail. En fin de compte, c’est le fait de travailler… ce processus inspire, dans cette dynamique créative et cela attire ensuite l’inspiration et cela, c’est important.

Rudolf Arnheim est un auteur qui écrit sur la photographie et la peinture. C’est un psychologue qui a écrit un livre appelé The Power of the Centre et il dit que les gens ont une âme qui aspire à l’infini. Mais en même temps, l’univers est si vaste qu’il nous fait peur et que par conséquent, nous voulons le définir. L’humain a inventé le système de quadrillage, le quadrillage cartésien vertical et horizontal et nous en sommes les esclaves. Nos rues, nos cartes géographiques, tout est vertical. C’est important, mais il dit que cela ne satisfait jamais l’âme parce que l’âme aspire à la transcendance et il dit que la spirale est donc très importante. Il a passé en revue l’histoire de l’art et il a démontré comment l’axe vertical/horizontal fonctionne et de quelle façon dans chaque peinture on peut imaginer et même tracer la ligne de la spirale. J’ai donc commencé à regarder mon travail et je me suis rendu compte qu’inconsciemment moi aussi je faisais cela. Chacune de mes peintures contient un mouvement en spirale ainsi qu’un arrangement compositionnel rigoureusement vertical et horizontal.

C’était une période très intéressante. J’étais encore très influencé par la ligne d’horizon à ce moment-là, mais au cours de cette étape dans mon travail, la ligne d’horizon se promenait sur la toile. Pink Sky mesure cinq pieds sur cinq et dans certaines oeuvres…la ligne d’horizon était au bas. Celle-ci, cette ligne d’horizon est, je pense, placée à un pouce et demi ou à peu près… elle est tout à fait au bas de la peinture et se perd presque dans le cadre. Dans certaines peintures de cette époque, la ligne d’horizon était placée dans la partie supérieure et changeait tout le temps. C’était aussi philosophique en quelque sorte; lorsqu’on regarde la ligne d’horizon et qu’on se demande ce que sa vie sera après un certain temps, c’est comme la ligne d’horizon. Parce qu’on s’approche toujours de la ligne d’horizon, mais quand on y arrive, la ligne d’horizon s’éloigne. Je m’amusais donc à jouer avec la place de la ligne d’horizon. Je me suis finalement lassé de cela et j’ai retourné la peinture sur le côté. La ligne d’horizon était alors à la verticale. La Mendel Gallery a à quelque part… ce sont des peintures de cinq pieds sur six et elles sont divisées en deux par une ligne qui passe directement au milieu et si vous les retournez sur le côté, elles ressemblent aux premiers paysages avec la ligne d’horizon. Mais elles ont meilleure allure avec une ligne d’horizon verticale, elles deviennent plus abstraites. Une autre chose que j’ai faite avec Pink Sky, c’est que pour un certain temps j’ai employé beaucoup de points – des points dans l’espace. Les points dans l’espace sont merveilleux parce que s’ils sont grands et rugueux, comme une texture épaisse, ils sont plus près de vous, et quant aux plus petits, l’œil tend à … l’esprit tend à les voir comme plus éloignés. Et donc on agrandit l’espace par la position des points et par la distance entre les points. La relation entre les points et le bord de la toile, les quatre côtés, était très importante parce qu’on travaille toujours à l’intérieur d’un rectangle qui est une sorte d’espace cubique. Alors on travaille avec une surface plate mais on travaille aussi avec l’infini. Les points et Pink Sky ont été pulvérisés. Je me suis servi d’un pistolet pour pulvériser la peinture sur une couche de peinture épaisse et cela mettait du relief à la surface du tableau. Et avec les points, on exprime la distance. Alors on a  toutes ces formes d’interaction avec la surface de la peinture et avec l’infini imaginaire de l’espace.