Susan Shantz

Je pense que l’élément temps est très évident dans les vitrines de Hibernaculum. On voit la cendre, on voit le bois au dernier moment de sa désintégration. Et on pouvait voir, dans l’autre partie de l’exposition, les brindilles qui sont l’étape qui précède immédiatement la désintégration des arbres. Ce qui m’a menée à ça, ce sont les arbres qui tombaient à l’extérieur sur notre terrain. Il y a donc une progression dans le temps dans cette œuvre qui m’a menée à faire cette œuvre, et c’est évident dans les résidus de ces matériaux dans le musée. Faire le mur pour Hibernaculum, en particulier, a été l’ouvrage de plusieurs années, rien qu’à amasser les petites branches et à réfléchir à ce que je pourrais en faire. Il en été de même lorsque je cousais les feuilles pour l’auvent. Cela a pris plusieurs années de travail. Souvent, quand je suis engagée dans un travail laborieux et de longue haleine, je ne sais pas ce que sera le produit fini. Il y donc un élément de risque que j’aime et qui me rend nerveuse en même temps. Est-ce que cela donnera autre chose qu’un sac de feuilles ou un tas de brindilles. Au sujet des brindilles, je me souviens avoir pensé à un certain moment : Est-ce que je n’aurai finalement qu’un gros tas de brindilles ou, À quoi ressemblera l’œuvre une fois finie? J’ai essayé diverses choses et cela m’a pris longtemps avant d’arriver à trouver ce que serait le projet une fois fini, sa forme ultime. Cela a été la même chose avec les feuilles suspendues. Je sais qu’à un certain moment, il y a environ un an, j’ai commencé à en suspendre quelques-unes au plafond de mon atelier. Ce n’était pas la première idée que j’avais eue sur la façon de les présenter, et j’ai été surprise par l’effet produit, combien c’était fascinant. Cela a été le moment où tout s’est éclairé. C’est ça! C’est ce que je vais faire avec toutes ces choses. Parce qu’elles créaient une étendue d’objets flottants qui donnaient l’impression d’objets flottant sur l’eau. Je ne me suis pas assise pour réfléchir à la façon de faire quelque chose qui flotterait sur l’eau. Ce n’était pas ça. Je ne me souviens même plus exactement pourquoi j’ai décidé de les suspendre de cette façon. Mais c’était la solution. Une sorte de solution surprenante à ce qu’il fallait faire avec ces feuilles. C’est la partie amusante lorsqu’on fait de l’art, n’est-ce pas? Ce sont les surprises.

(Elle est en train de coudre). J’aime faire cette sorte de chose. Je pense que certaines femmes détesteraient cela. Historiquement, à l’époque victorienne en tous cas, les femmes étaient toutes censées aimer faire ce genre de travail. Alors, il me semble que certains peuvent penser que c’est plutôt opprimant que je continue à faire cette sorte de travail, mais j’aime faire cette partie du travail. Je dirais aussi que je suis plus intéressée à faire cela pour initier une conversation publique que pour décorer ma maison ou quelque chose du genre. Je suis intéressée par l’aspect plus vaste du dialogue qui vient de ce que je fais ce travail dans un autre but. Alors ça fait le tour plusieurs fois et forme une sorte de spirale qui se rend au centre et puis je pique le fil en dessous. Cela lui donne en fait un peu plus de courbe et d’ondulation que si je n’y avais pas cousu un endos en coton. Alors, elles flottaient de cette façon et comme elles étaient pendues à un fil monofilament, elles flottaient dans l’espace et elles se mouvaient un peu au gré des courants d’air. Dans cette installation, le fait qu’il y ait 1 200 ou 1 500 de ces pièces qui flottaient dans l’espace créait une sorte d’environnement qui modifie notre perception d’une certaine façon. Il y en a qui trouvaient que cela ressemblait à un hologramme ou que ça ressemblait à des feuilles qui flottent sur un étang. Finalement, je n’avais pas assez de pièces pour monter l’exposition à la Mendel parce que je me suis rendu compte que j’avais besoin d’en avoir beaucoup plus. Donc, quand je suis retournée en Ontario en été, j’ai cousu beaucoup de ces pièces et les membres de ma famille se sont portés bénévoles pour m’aider. Il y avait mon neveu de 10 ans, mon beau-frère, ma mère et ma belle-sœur - tous cousent. Plusieurs d’entre eux se sont mis à faire un grand nombre de pièces. Je viens d’une famille de gens qui aiment vraiment le travail, ils aiment faire des choses avec leurs mains.

Je dois dire qu’une des choses qui m’intéresse, et je le constate dans toutes mes œuvres, c’est de me servir de choses usuelles ou de choses qui font partie de ma vie quotidienne et de les laisser influencer mes œuvres d’art. C’est une sorte d’art du quotidien ou encore une réponse à des objets ou à des choses usuelles, ce qui fait qu’il n’y a pas ce sentiment de séparation entre l’art et la vie quotidienne. Alors, que ce soit des objets domestiques ou des procédés comme la couture, avec laquelle j’ai grandi sans jamais penser que c’était de l’art, je les fais entrer dans mon art. Ou bien, je pourrais trouver une tasse ou un pot ou autre chose et le changer en objet d’art. Dans ce cas-ci, c’est le milieu naturel qui m’a semblé très nouveau et différent lorsque je suis venue vivre dans les prairies et aussi le plaisir que je ressentais à être à l’extérieur et à travailler dans ce genre d’espace. Je dirais que c’est un fil conducteur qu’on retrouve dans plusieurs de mes œuvres; c’est comme une réaction à quelque chose d’ordinaire et puis un travail de transformation qui le change en art, que ce soit… dans ce cas-ci, c’était le fait de casser les brindilles qui était le processus alors que la transformation en œuvre d’art, c’était de monter l’installation dans le musée et de refaire le travail à une échelle différente, créer une sorte d’architecture sur le mur en me servant d’un matériau différent, un matériau inattendu. Il y a donc quelque chose qui change dans la présentation finale et qui fait basculer dans le monde de l’art. Oui, le musée fait cela à lui seul mais je pense que certaines stratégies dans la façon d’exposer l’œuvre y contribuent aussi.

Je pense que cette pièce, celle qui est à la MacKenzie, Ash Cabinets, et le grand mur qui l’accompagnait, le mur hibernaculum le, viennent directement de ma vie à la campagne C’est en partie le contraste que j’avais remarqué entre un bois en Ontario où je faisais des randonnées puis, une fois arrivée ici, les bois de trembles que je voyais en marchant sur mes terres. Les trembles s’effondraient s’il y avait un grand vent, les arbres tombaient. Et je pense qu’ils ont une durée de vie de 40 à 60 ans. Je pouvais les entendre à l’extérieur, juste en arrière en de la maison, s’il y avait une tempête. Quand on sortait, on voyait d’autres d’arbres allongés sur le sol et de nouvelles pousses d’arbres. Il y avait quelque chose dans ce mouvement, j’étais beaucoup plus consciente du mouvement et du temps dans le paysage et de la plus grande rapidité de ce cycle. Et puis, mon travail commence souvent avec un geste. Je me souviens d’un jour où je marchais dans ma propriété et, du coin de l’œil j’ai aperçu une sorte de geste, des petites cassées en morceaux pas plus grands que la paume de ma main. J’ai pensé Ah! C’est intéressant. Je vais essayer cela dans le bois. Je suis allée chercher un seau et j’ai commencé à casser les petites branches tombées des arbres. Je mettais les morceaux dans les seaux et je les rapportais à mon atelier qui était situé dans le garage attenant à la maison. Je les empilais sur le plancher et je retournais en chercher d’autres. J’aimais… il y avait quelque chose dans cette opération qui m’intéressait. Souvent, mes projets prennent forme à partir d’un geste ou d’un processus avant que je sache ce que sera la pièce finie. Toutes ces choses ont agi parce qu’après avoir obtenu un amoncellement de ces petites branches, je me suis demandé ce que je pourrais en faire et comment les disposer. Aussi, pendant que je faisais des marches, je passais devant l’abri où nous entreposions les bûches et je me demandais comment je pourrais reproduire l’empilement des bûches avec mes petites branches. J’ai essayé avec la fenêtre de l’atelier. Je les ai placées sur le rebord de la fenêtre et ai les empilées sur deux rangées. Je pensais à ce moment à l’intérieur mais en marchant devant, de l’extérieur, je les ai vues contre la fenêtre et ce contraste m’a intéressée : elles avaient l’air de petits bouts, comme des petites pièces d’un mécanisme contre la vitre, et de l’intérieur elles avaient une apparence très irrégulière, rugueuse, comme du bois. C’est ce qui a mené à l’idée du mur, construire ces grands panneaux – ils avaient 3 pieds sur 7 pieds et il y en avait 11 ce qui fait que le mur mesurait 33 pieds de long.

Hibernaculum? Je pense que cela vient de… c’est le nom qu’on donne à un nid de serpents, c’est l’endroit où les serpents hivernent et puis les petits bébés serpents sortent au printemps. Probablement que pour moi, il est plutôt venu de l’hibernation et peut-être que c’est relié à ce processus, un long processus d’hibernation dans la création de quelque chose, avant que les idées soient prêtes à sortir. Peut-être que sur le plan physique, c’est la forme, plus particulièrement le mur. Il ressemble un peu à une tanière, c’est comme un espace dans lequel on pénètre. J’ai construit le mur pour qu’il y ait un corridor plutôt étroit à l’entrée qui s’élargissait dans le coin et qui se rétrécissait à nouveau au bout. Il y avait donc un sens de confinement ou d’intimité dans cet espace. Les titres peuvent être difficiles à trouver – lorsqu’ils englobent la sorte d’associations que vous voulez voir dans une oeuvre, sans être trop littéral ou sans tout expliquer. J’aime un titre qui évoque ce que je propose mais qui est aussi ouvert à l’interprétation.