David Thauberger

Ce que j’aime, c’est avoir un appareil photo avec moi quand nous faisons des promenades en auto. Je me sers de l’appareil comme d’un crayon à croquis. Supposons que nous traversons une ville ou que nous descendons une rue principale, si quelque chose m’intéresse ou m’intrigue que j’aimerais peindre, alors j’en prends une photo. Ce qui est bien avec les photos, c’est qu’on en prend toujours plus d’une. Et aussi les photos sont très flexibles parce que si vous prenez une diapo et que vous la projetez, tout d’abord, vous l’agrandissez à partir d’une petite photo et ensuite, vous pouvez faire ce que vous voulez avec : la retourner, la mettre à l’envers, vous servir de seulement certains détails. Vous n’êtes pas soudés à la photo. C’est un point de départ. Je crois que les artistes se sont toujours servis de photos, ou de quelque chose de semblable depuis qu’il y a des appareils photos. Les peintres classiques le faisaient. On a accusé Vermeer d’avoir utilisé une photo ou au moins d’une chambre noire. Au cours des siècles, les artistes ont employé toutes sortes d’instruments pour reproduire l’effet d’un appareil photo. Au 17e siècle, ou peut-être même plus tôt, certains se coinçaient la tête dans une sorte d’étau pour ne pas qu’elle bouge pendant qu’ils dessinaient et assurer ainsi que leur perspective ne changerait pas. Une autre chose aussi, peut-être moins avec cette oeuvre-ci (celle sur lequel il travaille dans la vidéo), c’est que ces tableaux sont souvent faits de parties d’images différentes. Je peux prendre le bâtiment d’une image, le paysage d’une autre, l’arrière-plan d’une autre… cette sorte de chose.

J’ai trouvé que l’argile, la peinture et la gravure sont trois moyens d’expression qui ont des points communs, en ce sens qu’ils sont physiques et tactiles. Ou tout du moins, c’est la manière dont je les aborde. Je construis, je grave, je manipule les plaques de gravure. Je mets la main à la pâte. C’est aussi le cas pour l’argile, C’est un travail vraiment physique car il faut malaxer l’argile, il faut monter les structures. Je fais aussi mes tableaux d’une manière tactile. Je cache certaines parties, je mets des couches de peinture très épaisses, je passe un peigne dedans, ou bien je me sers d’une brosse à dents pour éclabousser ma toile et toutes les choses  qui donnent de la texture et du relief au tableau. Je suis même parfois tenté de passer la main ou les doigts sur la surface. Et pour continuer sur cette idée, à un moment je me suis demandé comment rendre ces tableaux encore plus physiques, encore plus tactiles. Alors j’ai commencé à réfléchir à la manière d’incorporer des objets, et de les coller. Par exemple, je  me suis servi de grillage-moustiquaire, ce qu’on met sur les fenêtres. C’est pourquoi quand je veux représenter une porte avec une contre-porte à moustiquaire, et bien j’ai découvert que je pouvais coller directement du grillage sur la toile. Voici un autre exemple pour un des tableaux dont vous parlez :  je pensais à la manière de rendre correctement le temps parce que le temps est toujours une bonne excuse pour faire un tableau. J’en suis arrivé à la conclusion que ce que je devais faire, c’était de mettre de la pluie sur la toile. Je me suis dit que si je collais des clous dans une certaine direction sur la surface de la toile, on aurait l’impression de voir de la pluie tomber. Et j’ai fait plusieurs tableaux où c’est ce que j’ai collé sur la toile. J’ai aussi fait un tableau où je voulais montrer de la grêle. J’avais des petits plombs que j’ai peints en blanc, que j’ai arrangés et que j’ai collés. En fait, on dirait que le tableau fait de l’acné mais j’aime tout de même l’effet que cela rend… c’est chouette. J’ai fait tout cela … j’ai tout essayé pour rendre les choses plus tactiles, plus physiques

Ce que j’ai découvert, c’est qu’il existait toute une communauté de, j’emploierai le mot artistes, plus âgés, mais ce sont en fait des fermiers à la retraite, des retraités qui font de la peinture, qui n’ont jamais suivi de cours, qui peignent dans des endroits comme Silandia(?), en Saskatchewan, ou Saskatoon ou Regina. C’est en les rencontrant que j’ai eu de plus en plus envie de peindre cet endroit, la Saskatchewan, Regina, la vie rurale que nous menons ici ou que j’ai connu dans mon enfance. C’est ce que je voulais incorporer dans mes tableaux. J’hésitais  encore alors entre la céramique et la peinture. Mais peu de temps après, peut-être à la fin des années 70, j’ai décidé de me concentrer sur la peinture. Et une fois de plus, comme pour l’argile, j’ai essayé de faire des tableaux qui me ressembleraient, qui seraient différents de ceux des autres. Et il y a des techniques, des stratégies, je suppose, des idées que j’ai adoptées pour y arriver. Une, c’est de faire une image avec un motif répétitif. Je me souviens que quand je faisais ces tableaux, des gens, dans le domaine des arts en fait, me faisaient des commentaires du genre « tu sais, la peinture, c’est pas comme cela.» Et je me disais « Chouette !, C’est exactement les réactions que je veux obtenir. » Je crois qu’ils voulaient me critiquer mais moi je prenais cela pour un compliment que la peinture ne ressemble pas à cela. En fait, c’est exactement ce que j’essaie de faire, des choses qui sont bien à moi. J’ai continué à peindre de cette manière mais en y mettant de plus en plus d’images de la Prairie. J’ai commencé à incorporer dans l’arrière-plan de certains des tableaux des images de ma ville natale, de la ferme où j’avais passé mes étés, ou de la grange ou des silos à blé. Et j’ai fini par enlever les motifs répétitifs d’oiseaux ou d’animaux, le premier plan, pour me concentrer véritablement sur les bâtiments et les paysages. Et ce sont les sujets que je continue à explorer. Depuis, c’est ce que j’appelle des paysages construits; il y a des bâtiments, mais il y a aussi le paysage et des références au paysage. 

J’ai récemment organisé une exposition appelée Regina Clay:  Worlds in the Making (Regina Clay : mondes en création) qui m’a permis d’examiner le lien entre les céramistes de la Saskatchewan et l’inspiration qui leur est venue d’un mouvement artistique californien que l’on appelle le California Funk. Le California Funk voit son origine dans la région de la Baie de San Francisco au début des années 60 avec des artistes comme Robert Arneson, Roy Deforest and David Gilhooly. Ces artistes étaient importants pour nombre d’artistes ici en Saskatchewan comme…Victor Cicansky, Joe Fafard, et Russell Yuristy, entre autres. C’est un fait intéressant, qui met en relief l’histoire du Regina Five. Les artistes qui appartenaient au Regina Five étaient inspirés par ce qui se passait à New York et ont vraiment adopté ce mode de production pictural à grande échelle, abstrait, non-figuratif.  Il existe une similarité avec le groupe Regina Clay, parce qu’ils se choisissent pour influence les États-Unis, mais ils choisisssent l’autre côte – la côte Ouest – et tirent leur inspiration de l’esthétique funky, quasi de mauvais goût, qui y émerge. Mais au lieu de tenter d’imiter leur style, ils imitent leur attitude et s’en servent pour se libérer des attentes qui avaient grandi autour duRegina Five, l’idée qu’il fallait s’inspirer de New York, et qu’il fallait regarder ailleurs. Ce qu’ils firent plutôt, c’est d’utiliser l’inspiration Funk et se pencher sur leurs propres circonstances, leur propre environnement, comme inspiration. Et alors vous aviez Joe Fafard qui commençait à créer des images de la famille et des amis qu’il avait connus pendant sa jeunesse dans une petite ville du sud de la Saskatchewan, ou Vic Cicansky utilisant des remises et des bâtiments de l’Est de Regina comme inspiration principale de son oeuvre. Cette comparaison entre les deux groupes est vraiment intéressante. Quand on regarde le Regina Five, on est inspiré par leur ambition.  Mais pour ce qui est des artistes du Regina Clay, on est inspiré par la manière dont ils ont fait vivre cette région dans leur oeuvre.

Pendant toute ma jeunesse, je n’étais pas conscient que je voulais devenir artiste. Je faisais ce qu’on fait habituellement: j’allais à l’école, je jouais au hockey, et au baseball l’été. C’est à peu près tout. Je m’intéressais au sport comme la plupart des jeunes d’un certain âge. Quand j’ai fini mon secondaire, je me suis dit que j’aimerais bien enseigner. Alors je suis allé en Éducation pendant un an et, l’été d’après, j’ai suivi un cours de beaux-arts parce que c’était une exigence pour le baccalauréat. Il fallait faire soit Théâtre, soit Histoire de l’art ou Art. J’ai opté for Art 100. J’ai passé tout mon été,ou au moins plusieurs semaines, assis dans une salle de classe à regarder des diapos de peintures, des films flyés sur des gens comme Salvador Dali, ou dans le parc Wascana, à dessiner les arbres ou les bâtiments. Et cela m’a vraiment emballé. Et une chose en amené une autre et j’ai décidé de me laisser emporter par mon enthousiasme, par l’idée de faire de l’art et de devenir artiste. À l’époque, il y avait un certain nombre de jeunes artistes qui venaient de commencer à enseigner à l’Université de Regina. Parmi eux, il y avait Joe Fafard dont j’ai suivi quelques cours. Il y avait aussi Victor Cicansky à la Faculté d’Éducation et, même si je n’ai jamais suivi de cours avec lui, il venait régulièrement aux Beaux-arts. Et bien sûr, il y avait David Gilhooly qui était arrivé, je crois, en 1969. Et c’est à tout cela que je dois cet enthousiasme. Et puis je suis allé faire ma maîtrise en Californie et j’ai vu des tableaux faits des artistes que j’admirais. Et c’est là que j’ai décidé de changer de médium parce que moi aussi je voulais peindre pour voir si j’étais capable de faire des tableaux comme ceux qu’ils faisaient. Je pense à des artistes comme William T. Wiley qui enseignait à Davis, et, bien sûr, à Robert Arneson qui enseignait la céramique à Davis.  Roy De Forest est un autre artiste dont je commençais à découvrir les oeuvres. Et un des artistes les plus excitants pour moi, c’était Wayne Thiebaut qui était bien connu dans la région de Sacramento et qui faisait des choses que je n’avais vues avant. Et je me rappelle avoir vu dans le musée local une peinture de pointes de tarte et cela m’a vraiment donné l’envie de peindre… Je veux faire des tableaux qui sont aussi beaux à regarder et pourquoi pas à manger, si c’était possible.

Il y a quelques années, j’ai fait une série de tableaux dont un est un de ceux dont nous parlons Driving Rain. Ils portaient sur des endroits très célèbres. Alors quand je me suis mis à peindre ces endroits touristiques, j’ai commencé par  Yellowstone (Old Faithful), les chutes Niagare et ainsi de suite. Pourquoi? Parce que ces endroits sont si célèbres qu’on peut mettre ce qu’on veut sur la toile et que les gens vont les reconnaître de toute manière. Comme c’était la première fois que je faisais ce genre de toile, je n’étais pas très sûr de pouvoir rendre un lieu célèbre d’une manière convaincante. Ce sont des lieux célèbres mais malgré tout ce sont des paysages construits. Et ils ont aussi d’autres associations. Et certainement  Driving Rain et les statues de l’île de Pâques font partie de ce cycle de tableaux et comme je l’ai dit le temps est un bon sujet de tableau et cet élément vient s’ajouter à ce paysage touristique. Et voilà ce que je devais faire; peindre ces statues tournées vers l’océan, une expression niaise sur le visage, en train de regarder ces clous, cette pluie qui se dirige droit sur elles. Bien sûr, c’était ironique, c’était pour donner un côté humoristique à la chose. C’est de la pluie, mais avec les clous, on a l’impression qu’elle veut clouer ces choses sur les statues. Nous vivons dans un monde où la nature est véritablement en péril. Et cela, c’est à cause de nous, quelque chose avec lequel nous vivons et auquel nous pensons constamment.